CONCLUSIONES

Los Creadores y sus Prácticas

La cámara digital, del hogar a la calle.

Muchos de los realizadores han tenido acceso desde su infancia o adolescencia a cámaras de video digitales o análogas, lo que produce en muchos casos un gran nivel de cercanía y naturalidad respecto a las cámaras y la creación de productos audiovisuales. En este sentido, hay una pérdida de temor o respeto al acto de hacer cine o filmar, ya que se considera una herramienta que está a mano y ya se tiene algún grado de alfabetización audiovisual al momento de filmar. Lo interesante es que al margen de perderle el temor a la cámara y sentirla como un compañero cercano, la cámara también abandona el rango de lo doméstico y traspasa las puertas al dominio de lo público.

Nociones heterogéneas sobre el digital.

Hay diversas opiniones sobre el rol del digital y su impacto en el cine, es vehementemente defendido por algunos directores, pues sería un lugar de resistencia ante los grandes presupuestos del cine comercial cuyas pautas representacionales dejan fuera de la imagen ciertos sectores de la realidad que él considera importante rescatar (embarazo adolescente, la marginación invisible de la clase media, etc.). Otros no están completamente a favor de las tecnologías digitales denunciando una falsa idea de democracia barajada por el circuito audiovisual local respecto a lo digital y una invisibilización de la brecha social poco equitativa en el cine, por otra parte, también hay visiones de que el digital sería un simple artificio de operación, resistiéndose a ver en él una fuente de grandes cambios en la cinematografía.

La creación como espacio de autonomía, innovación y libertad.

Ya sea impulsados por instituciones educacionales o por su propio ímpetu, la principal característica de todos los realizadores de nuestra muestra es que la creación audiovisual emerge como un campo autónomo y predispuesto para la experimentación. Llama la atención que, en lo que a ideas cinematográficas se refiere, la gran mayoría dé un paso al lado respecto al canon y se aventure a experimentar en nuevas temáticas y nuevas formas narrativas. Los directores, en este sentido, presentan una aguda conciencia...

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...respecto al lugar que ocupan sus películas en el horizonte de la producción audiovisual: se reconocen al margen de una industria (por incipiente que ésta sea) y ello les garantiza la libertad de poder experimentar en aquellas áreas de su propio interés, lo que determina que el conjunto de películas que revisamos sean de una índole muy personal.

El sabor agridulce de la falta de recursos.

Si bien la falta de recursos es problemática, en algunos casos puede comprenderse como un privilegio que da la posibilidad de avanzar a un ritmo propio en la producción y diseño de la obra, que permite reflexionar sobre ésta sin las ataduras ni presiones de un proyecto que debe rendir cuentas a terceros o lograr éxito comercial para poder recuperar su inversión. Esta liberación de requisitos formales y marcos temporales dotaría de gran flexibilidad al proceso de producción de la obra, permitiendo que los tiempos dependan de la naturaleza del filme, sus opciones de financiamiento y la constitución de su equipo creativo, por solo mencionar unos pocos.

Las producciones audiovisuales, una fórmula única en cada caso.

Respecto a los modos de producción y trabajo en equipo, llama la atención que salvo un par de excepciones, todos los largometrajes fueron rodados fuera de la lógica tradicional de producción y creación, resolviéndose cada película según las necesidades artísticas y las limitaciones materiales en cada caso mostrando gran flexibilidad. Los equipos de rodaje por lo general son pequeños y dependen en gran medida de la capacidad de interpelación e intermediación de los directores ya que en la gran mayoría de los casos no hay una relación contractual formal, basándose en vínculos de amistad, camaradería o el intercambio de favores mutuos. Además de este tipo de vínculo, al interior del equipo es importante la complementación e integración de los roles del equipo técnico, generalmente trabajando con un alto grado de cercanía entre los integrantes y muchas veces teniendo más de un cargo o rol por persona. En la distribución y exhibición, nuevamente nos enfrentamos a un terreno poco explorado en la medida en que al estar al margen del canon, cada proyecto está obligado a replantear los modos en que circulará la obra.

El ingenio tras las nuevas formas de exhibición y difusión.

Los realizadores mencionan y usan un variado abanico de opciones de difusión y exhibición de sus trabajos, los cuales funcionan al margen de la multisala, instalando una serie de nuevas prácticas posibilitadas por las nuevas tecnologías. En este sentido se ha ido instalando la importancia del DVD y de Internet como modalidades de distribución de los filmes, una vez realizado el circuito de festivales. Este último será de gran importancia en cuanto no solo permite mostrar los filmes, sino generar estrategias de marketing y posicionamiento a través de las redes sociales, permitiendo el acceso a nuevos nichos y públicos para las películas. La particularidad y el ingenio de las estrategias de posicionamiento por medio de redes y soportes online son mencionadas por muchos de nuestros realizadores como un factor clave en el éxito de la difusión de la película, siendo en potencia, una de las mejores herramientas para dar a conocer trabajos a posibles públicos.

Los Tratamientos Dramáticos

Proliferación e hibridación de géneros cinematográficos.

Los géneros cinematográficos no son fijos y históricamente van mutando según tiempos y geografías particulares, el ejemplo más claro posiblemente se relaciona al surgimiento de los géneros en la época clásica del cine o en el decaimiento del western en la cultura norteamericana. En la investigación constatamos una proliferación de géneros cinematográficos lo que creemos se puede relacionar a una expansión en nuestro sistema cinematográfico, el cual al crecer, abarca nuevas áreas y en lo particular, en el cine digital de bajo presupuesto, abarca áreas que el cine de circulación comercial no ha desarrollado. En segundo lugar podemos observar la hibridación de géneros como un fenómeno que continua ampliando el repertorio de filmes nacionales, dando cuenta de una transformación en el sistema de género en el país y la permeabilidad de las fronteras entre géneros, permitiendo así la generación de nuevas formas y contenidos fílmicos.

Una resistencia sostenida a las categorías.

Notamos una resistencia en los cines estudiados a la inclusión en las categorías cinematográficas convencionales, traspasando las fronteras de lo clásico y generando constantemente nuevos productos que difícilmente pueden ser agrupadas bajo las tipologías existentes. Por ejemplo, hay un resentimiento del cine a caer en categorías narrativas como las creadas por Robert Mckee para generar una tipología de las estructuras narrativas, Arquitrama, Minitrama, Anti-Trama y No Trama. Si bien Mckee presenta estas categorías como tipos puros y adelanta que las películas muchas veces se situarán “entre” y no “en” una de estas categorías en su forma pura, nos encontramos con que las películas quiebran el orden propuesto por Mckee, generando nuevas categorías que se basan en un pastiche discontinuo (muchas veces anacrónico) de elementos de estas categorías. El caso del género cinematográfico es también otro ejemplo de la abstención de este cine a las categorías clásicas, siendo un porcentaje no menor de películas de género híbrido, y por lo tanto tomando elementos de distintos géneros a nivel de estructura y forma, e integrándolo en un mismo filme. Finalmente, cabe mencionar que los estilos cinematográficos encontrados también muestran una tendencia a complejizar las estéticas reconocidas en corrientes y autores, generando cinematografías que en términos estilísticos son muy difíciles de categorizar ya que mezclan una serie de referentes que el cine clásico mantenía parcelados.

Propuestas arriesgadas que no abandonan lo clásico.

La mayoría de las películas analizadas presentan las siguientes características propias del modelo clásico las historias que se relatan tienen un solo protagonista (salvo algunas excepciones en las que hay más de un protagonista o siendo el colectivo el personaje principal, coherencia interna del relato, línea de acción dramática encausada por el protagonista, estructuras episódicas que hacen sentido, lógicas causales de progresión dramática, cambios entre la situación inicial y la situación final de los personajes que, en pocos casos es más radical su acercamiento a lo que podríamos llamar las antiestructuras, o el relato fragmentado posmoderno. La estructura que sustenta, a grandes rasgos, a nuestra muestra es una que enlaza los acontecimientos y provee de unidad dramática que a su vez, permite empujar la línea dramática del o los protagonistas. Otro elemento importante es descubrir que los personajes tanto protagónicos como secundarios por lo general son personajes activos, es decir, que llevan a cabo acciones que producen consecuencias en la historia que se narra, independiente de si son pequeñas o grandes acciones, o que con esas acciones los personajes logren aquello que buscan o quieren conseguir. Este hecho es bastante decidor de lo cercano que nuestras historias están de la tradición más clásica, en la cual los personajes están construidos como personajes de acción y se acercan a la figura del héroe clásico, protagonista en su propio relato, en donde todo gira en torno a él.

Guiños a lo contemporáneo.

Hay una minoría de las películas que presentan ciertos rasgos de un cine moderno o contemporáneo, por ejemplo aquellas películas que no tienen un diseño clásico, sino que más bien son historias en las que no hay un cambio de él o los personajes, de su situación inicial a su situación final. La línea de acción no es dramática, por lo que el eje de la acción deja de operar para dar paso a la reflexión. En este sentido la narrativa se transforma en una especie de pintura, fotografía o retrato en la cual aquello que está en escena parece moverse levemente o definitivamente permanecer inmóvil. Estas películas parecen ser una opción tomada por los realizadores como una manera de reforzar ciertos temas que han sido tratados por el cine chileno de post-dictadura, pero esta vez llevado más allá de la fábula e incorporado en el modo narrativo. Esta opción que toman los realizadores habla de un cine que transita, es decir, traslada sus preocupaciones temáticas –de contenido- a la manera de contar una historia, a la construcción misma del relato.

Un vuelco dramático hacia los mundos interiores.

Los principales conflictos que presentan los personajes son internos, es decir, son subjetivos y tienden a dar cuenta de los mundos interiores de los protagonistas. Así mismo las locaciones o espacios en los que ocurren los relatos son principalmente espacios íntimos, interiores cerrados, tales como casas y departamentos en donde se nos permite acceder a escenarios internos, vinculados a la psicología de los personajes, mostrándonos sentimientos, emociones, necesidades y conflictos personales. La indagación en estos campos no se agota con el trabajo de personaje, narrativa y puesta en escena, sino que es potenciada a través del trabajo de cámara en el cual hay una preeminencia por el trabajo con planos cerrados tales como el primer plano y el plano medio, los cuales no solo acentúan la centralidad de los personajes sino también sus cualidades emotivas. Por otra parte, en muchas de las obras vistas hay una tendencia a seguir a los personajes principales a través de movimientos de cámara, permitiendo a través de éstos una focalización en los personajes y sus acciones.

Las Estéticas Audiovisuales

Un digital pasivo, pero prolífico e integrativo.

Si bien al inicio de la investigación observábamos las potencialidades de construcción cinematográficas basadas en el soporte digital, por medio del cual podíamos liberarnos de las bases indiciales de la realidad creando mundos virtuales inimaginables y efectos de gran nivel, salvo en algunos casos muy particulares, estas posibilidades que entrega el soporte digital no están siendo utilizadas en el cine no comercial que constituyó nuestra muestra. En este sentido, el digital no se constituye en una posibilidad debido a su “naturaleza”, sino que más bien se transforma en una opción relevante debido a las opciones de acceso que entrega, permitiendo a muchos realizadores tener las condiciones materiales para poder realizar una película.

El atrevimiento de nuevas propuestas; la ausencia y el exceso.

Muchas de las obras son de carácter propositivo, experimentando tanto con la ausencia como con el énfasis de distintos elementos del lenguaje fílmico. Este acercamiento es interesante ya que parece haber una economía de los recursos cinematográficos que entran en juego, manifestando una conciencia tanto de la presencia o no de un recurso; ej. Audio, diálogos, color, movimiento de cámara, como un uso creativo-expresivo del recurso desde su énfasis, por lo que se generan nuevos códigos de lectura y experiencias respecto a los recursos fílmicos.

énfasis en el tiempo como materia prima.

El tiempo surge como una categoría importante no solo como base constructiva del cine, sino como materia de representación. Esto se expresa de distintas formas pero primordialmente a través de la evidencia o visibilización del tiempo por medio de estrategias narrativas y lenguaje del cine. En el primer caso, nos referimos a las estructuras del cine y el paso del tiempo diegético al interior de cada relato cinematográfico, de esta forma hay películas que se hacen representando días, horas o períodos temporales a través de sus relatos. La segunda forma es a través del uso de recursos fílmicos que evidencian el tiempo ligado al uso de planos de larga duración y la homologación del tiempo real con el tiempo fílmico.

Una cámara dinámica.

La cámara tendrá gran relevancia en cuanto medio para poder realizar cine, en cuanto medio de registro y creación, teniendo su poder creativo prácticamente más importancia que el de las posibilidades entregadas por los soportes de postproducción digitales. Esto centra la capacidad de registro de la cámara y el valor indicial del referente filmado en el eje de las posibilidades creativas el cine estudiado. En este sentido los elementos de la puesta en escena que permiten construir una realidad diegética y los recursos de la puesta en cámara, serán esenciales para extremar las posibilidades de construcción fílmica al máximo. De esta forma el trabajo con la propuesta de arte, vestuario y elementos del lenguaje de cámara tales como la movimiento de cámara, los ángulos de cámara y la escala de planos –entre otros- , serán participes activos de las narrativas, la tensión dramática, los puntos de vista y el ritmo en el filme.

Legitimación del “estilo amateur”.

En muchas de las películas observadas, de forma tanto parcial como total, se observa la utilización de recursos fílmicos que se relacionan a las técnicas o formas propias del video doméstico o casero, alejado de los patrones convencionales enseñados en las escuelas fílmicas y revisitado de forma permanente por el cine comercial. Entre los elementos más marcados que se pueden verificar en la legitimación de lo que hemos llamado el “estilo amateur” se encuentra la desprolijidad fílmica en la ejecución de recursos audiovisuales y la constatación constante de la presencia de un realizador tras la cámara. La validación de este estilo, entre otras cosas, se puede asociar a la búsqueda de una mayor autenticidad a través del trabajo fílmico, representado en una suerte de naturalismo temporal, espacial y técnico, en el que el realizador y sus recursos materiales de producción se evidencian como parte del proceso de creación y expresión fílmica.

El imperio de la verosimilitud.

La verosimilitud reina en los universos diegéticos presentados en los filmes revisados. Con esto nos referimos a que la consistencia y el espesor de los relatos en base a su credibilidad narrativa y material es lograda a cabalidad a través de los distintos recursos fílmicos de puesta en escena, puesta en cámara y narrativa. Este dominio de la verosimilitud es especialmente interesante si tenemos en cuenta que muchos de los realizadores son recién egresados o realizadores amateur, por lo que a pesar del grado de experiencia de gran parte de nuestros realizadores, la construcción de universos verosímiles no es problemático, y se logra un alto nivel de credibilidad y consistencia en sus obras. En particular destacamos como elementos de importancia para la construcción de estos “imperios” el uso del arte, el vestuario, el sonido, el guión y la actuación, los cuales en la mayoría de los casos logran gran verosimilitud en base a representaciones y estilos naturalistas. A su vez, hay que remarcar que si bien existe lo que denominamos un “imperio de la verosimilitud”, éste se enmarca en una austeridad notable de las propuestas, las cuales logran con pocos recursos y de forma poco pretenciosa construir los universos de sentido y significado en cada propuesta fílmica.

Una banda sonora compleja.

Llama la atención que de forma transversal en la muestra de estudio hay una marcada preocupación y conciencia acerca del potencial y la complejidad de la banda sonora como espacio de creación de sentido, profundización de la narrativa, construcción de atmosfera y función rítmica del filme. En este sentido, las películas articulan y combinan matices sonoros en base a los elementos de éste, voz, ruido, efectos, música y silencio, para dar cuenta de escenarios complejos que no sólo acompañan sino que profundizan la imagen. Esto nos permitiría decir que hay una concepción sonora avanzada que permite adecuar en términos funcionales los recursos del audio a las necesidades de la imagen y el relato fílmico, complementando y potenciándose de manera conjunta.

Usos de la postproducción digital.

Si bien mencionamos la escasez de usos del soporte digital en términos de postproducción, este no es inexistente pudiendo verificar el uso de filtros, 3D, y archivos retocados. Un uso muy interesante de la post que verificamos a través del estudio de la muestra es el uso de ésta no para generar dimensiones de lo virtual, sino para creación de realidades paralelas o trastocadas en la diégesis de la historia relatada. En este sentido, se podría decir que en vez de usar la postproducción para fines ligados a la creación de mundos extraordinarios o en el dominio de la creación de realidades solo posibles de forma virtual, la postproducción se está usando para acentuar nuestra presencia en el mundo real –indicial- anclando toda experiencia a expresiones verificables en nuestra experiencia fenoménica espacio-temporal.

Temáticas

Una mirada crítica al sistema.

El sistema social está puesto en tela de juicio, siendo visto como un espacio desigual que no integra a todos sus habitantes, coarta la libertad y produce patologías psicosociales en sus integrantes. Hay una mirada crítica frente al capitalismo, comprendiéndolo como una forma excluyente que se centra en el consumo, el individualismo y el éxito. A su vez, se muestran los problemas que éste arrastra como las diferencias socioeconómicas, la marginalidad, las diferencias en el acceso a la educación, el desempleo, la desprotección social, las condiciones laborales y la distribución espacial de los grupos socioeconómicos. Esencialmente y de múltiples formas, se muestra una sociedad fragmentada que impide que se generen vínculos y diálogos sociales verdaderos, alienando a la persona de manera progresiva.

Una cultura juvenil.

El cine estudiado se vuelca hacia la representación de lo juvenil, habiendo una concentración de personajes entre los 20 y los 30 años, los cuales a grandes rasgos se revelan como una juventud sin grandes ambiciones, en donde la falta de pasión, ideologías o determinación es una característica común. Los “mundos” que éstos habitan, se reflejan tanto a través de las temáticas como a través del arte, el vestuario e importantemente, la música. Esta última será de gran relevancia ya que no tan solo se usa para caracterizar personajes y articular secuencias fílmicas sino que también para cautivar públicos, siendo explotado el nicho de la música independiente como un nicho complementario al de la creación en cine.

Una obsesión con los vínculos interpersonales.

Una idea que se traspasa fuertemente en algunas películas es la dificultad que tienen algunos personajes para vincularse de manera armónica con sus pares o incluso establecer relaciones amorosas. La tendencia general es que los realizadores nos muestren cómo perciben estas relaciones sin necesariamente hacer juicios. En torno a estos vínculos, la familia es una temática y fuente de inspiración constante, no solo a través de la visibilización de las modalidades en que se encuentran compuestas, sino también en la forma en que éstas afectan la constitución de los sujetos y su forma de vivir los afectos. A su vez, una cierta nostalgia surge de la idea de familia como fundamento de la sociedad, encontrándonos con películas con personajes que quebrados por sus historias familiares viven en un estado de disfuncionalidad emocional. En algunos casos la familia incluso se presenta como una institución que influye negativamente en los sujetos, transformando a los representantes de ésta en víctimas de las decisiones de sus miembros. Las relaciones de pareja por lo general se presentan como un espacio en el cual la falta de transparencia, la deslealtad y la infidelidad se instala, corroyendo cualquier posibilidad de vinculación real de comunicación y desarrollo de afectos. Esto se da de forma transversal tanto en relaciones heterosexuales como homosexuales, cargadas muchas veces, de clichés de género respecto de qué es ser hombre o mujer y los roles que asumen en la sociedad actual. Finalmente, la amistad tiene una fuerte presencia y establece un espacio de sociabilidad bastante higiénico en comparación con el modo en que se representan otras formas de vinculación.

Un individuo trastocado.

El individuo y su perfil psicológico es también un importante eje temático, en el cual se instala la locura o la patología mental como fenómeno, constituyendo parte del inconsciente ante un sistema represor y dañado. A su vez, los individuos presentados se comprenden como individuos solitarios con necesidades, debilidades y dolencias que no son socorridas de modo comunitario, existiendo un gran nivel de desprotección. Finalmente, muchos de los individuos se encuentran sumidos o afectados por la nostalgia siendo esta un factor de pesadumbre que inmoviliza la acción.

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